Camille

Ce plan séquence d’une durée de trois minutes commence sur les deux amants alités. Durant les deux premiers tiers de la scène, l’image est baignée dans une lumière rouge. Puis la caméra descend progressivement vers les fesses et les jambes de Bardot et l’image se teinte de jaune, avant de devenir bleue et de s’achever sur un plan serré du visage de Bardot. Annonciatrice de la confusion des langues au cœur du film, la scène est également marquante par sa musique, un adagio romantique, mélancolique et tragique composé par Georges Delerue. Participant par moment à l’effacement du dialogue, rendant difficile à saisir ce qui se dit et se joue, elle vient comme les filtres de couleur qui interviennent pour masquer en partie les corps, nous remettre dans une position où nous n’avons pas accès à l’intimité des personnages dont il est question. Ces deux éléments sont ici contributifs d’un effet de déréalisation comme ressort même de l’art.

L’installation consiste à recouvrir entièrement les vitres de l’ancienne salle de dissection à l’aide de gélatine de couleur rouge, bleue et jaune. Couleurs primaires venant ici « rappeler ce qui semble s’être perdu aux yeux de Godard : peinture et cinéma, malgré la singularité de leur dispositif respectif, malgré l’écart ontologique qui sépare leurs images, n’en sont pas moins soumis à un même principe esthétique** », celui qui place l’art sous la détermination de la lumière.

À cette intervention vient s’ajouter une installation sonore. Le thème de Camille est une partition composée pour orchestre symphonique d’instruments à cordes soutenus par quelques bois, un cor et une harpe. L’orchestre symphonique est conçu comme une entité indissociable, il fait corps. L’idée était de déconstruire cette matière musicale en vingt-quatre fréquences et par la suite de recomposer un morceau à partir de ce nouvel orchestre, chacune des vingt-quatre pistes étant assignées à un haut-parleur.

La salle de dissection de l’Ancienne Faculté de Médecine se voit appréhendée comme le théâtre de la décomposition d’une œuvre musicale et cinématographique mythique, ici considérée comme corps organique.

L’installation ne comportant pas à proprement parler d’image, il a paru important d’apporter un soin tout particulier au support de communication. Aussi, dans le respect des mentions relatives à un tel projet, il s’est agi de penser l’affiche comme une pièce autonome de l’exposition. Venant en quelque sorte prolonger l’installation hors les murs et dans l’espace public par une intervention graphique ayant valeur d’œuvre, celle-ci trouve sa forme dans la dernière page du roman d’Alberto Moravia, Le Mépris, édité en poche aux éditions GF Flammarion. Le titre du livre en haut à droite a été remplacé par celui de la pièce et la charte graphique de l’éditeur a été respectée en ce qui concerne les informations de communication complémentaires. La partie droite de l’affiche laisse apparaître ce qui est habituellement caché, à savoir les traits de coupe et le cartouche d’étalonnage colorimétrique, ici légèrement modifié afin d’évoquer les trois couleurs qui couvriront les fenêtres de l’espace d’exposition. Ces affiches, destinées majoritairement aux arrêts de tramway et autobus de la ville, par la nature du texte qui fait référence à l’Odyssée, évoquent tout à la fois le voyage, la Méditerranée et une forme d’onirisme.
Le recto de la feuille de salle – qui sera mise à disposition des visiteurs –, reprend également les éléments du protocole d’impression habituellement absents, accompagnés cette fois d’une capture d’écran du film de Godard représentant un bouquet de lys dits de la Madone. Fleurs associées au symbolisme solaire, elles sont très présentes dans la peinture notamment à la Renaissance comme un des éléments symboliques dans les représentations de l’Annonciation.

Sylvain Fraysse, février 2023